El director David Leitch recibió por primera vez el guión de Atomic Blonde de su esposa productora, Kelly McCormick, quien lo desafió a, como él dice, encontrar un mundo nuevo en el género de espías, no muy diferente de lo que hizo con John Wick con Chad [Stahelski].
Y encontró una forma de entrar en el drama de espías de la Guerra Fría, basado en la novela gráfica Coldest City , en parte usando música de los años 80. De hecho, la película presenta varias canciones conocidas de la década, incluidas Til Tuesdays Voices Carry, usada varias veces; figura paterna de George Michaels; y dos canciones de David Bowie: Cat People (Putting Out Fire), hacia el comienzo de la película, y su colaboración con Queen, Under Pressure, al final.
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Pero su música no estaba destinada a ser la única contribución de Bowie a la película. El equipo de Atomic Blonde quería que la cantante apareciera en la película en la escena del interrogatorio que enmarca la historia.
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Creo que realmente respondió al guión y que se trataba de esta ciudad y había música y todo. Pero en ese momento, se negó respetuosamente, le dice Leitch a The Hollywood Reporter . Luego, durante el rodaje de la película, nos enteramos de su fallecimiento, por lo que fue aún más especial para nosotros que esas canciones permanecieran en la película.
La protagonista de Charlize Theron, llena de acción, presenta múltiples giros, particularmente hacia el final de la película. Pero mientras que los espectadores primerizos pueden estar confundidos acerca de lo que acaban de ver, Leitch dice que las pistas están ahí y se pueden encontrar en una segunda visualización.
Leitch habla con THR sobre las últimas sorpresas de Atomic Blonde (sin revelar detalles), revela por qué quería que su estrella (y productor) ganadora del Oscar pudiera igualar a sus homólogos masculinos golpe a golpe y aborda la relevancia actual de la ambientación de la Guerra Fría.
¿Cómo fue trabajar con Charlize como productora y protagonista de la película?
Fue grandioso. Ella apoyó increíblemente las ideas, y tuvimos algunas conversaciones geniales sobre dónde queríamos llevarlo, y estuvimos en la misma página desde el principio, desde ese tono inicial de querer empujar este pasado simplemente siendo un drama de espías noir con intriga. Quería encontrar una manera de hacerlo más impulsado por la acción y tener una protagonista femenina fuerte por la que no nos disculpáramos.
Una de las cosas que más me impresionó de la película fue cómo el personaje de Charlize es capaz de igualar a los hombres con los que lucha golpe a golpe y hacer casi cualquier cosa que un homólogo masculino pueda hacer. ¿Es eso algo que era importante para ti?
Fue totalmente importante, y creo que abordamos la coreografía y el diseño de la acción como lo hubiéramos abordado si fuera masculina o femenina. Nunca íbamos a encontrar algunas racionalizaciones para sus habilidades o cosas así. La forma en que la coreografiamos, especialmente hacia el final de la película cuando la película desciende en espiral hacia este lugar más oscuro, por diseño, queríamos que surgieran consecuencias reales en la acción, y eso era algo por lo que Charlize estaba presionando mucho como productor. Ella estaba como, quiero ver la realidad, quiero ver cuando alguien es golpeado, se lastima. Quiero sentir el dolor y los golpes. Así que realmente me lo tomé muy en serio con el equipo de coreografía y la dirección de la película y así es como terminamos teniendo una violencia realmente cruda al final de la película. Creo que es importante para el viaje catártico de sus personajes.
Definitivamente puedes ver los moretones y decir que ha sido golpeada. No es como una película en la que hay escenas de lucha, pero después nadie parece estar herido.
Lo que me gusta de las secuencias de acción es que, si están bien hechas, llegas a saber más sobre el personaje en esos pocos minutos que en 10 minutos de exposición. Ves su voluntad de sobrevivir y su inteligencia y su durabilidad y su destreza como espía. Ves su humanidad. Aprendes más sobre ella, creo, en esa secuencia sin editar como lo haces en el resto de la película.
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Charlize ha hablado mucho sobre hacer la mayoría, si no todas, sus propias acrobacias. ¿Cómo sucedió eso y por qué fue importante para ti que hiciera sus propias acrobacias en lugar de usar un doble?
Cuando estás haciendo estas películas independientes a un precio, hay ciertas limitaciones, y no puedes disfrazar la acción con campanas y silbatos, y [no puedes] hacer todo el CGI y las explosiones que el público quiere, así que realmente tienes que aguantar en la fisicalidad de la estrella. Las escenas de lucha son menos costosas de producir, pero en realidad pueden ser más que un espectáculo porque estás conectado emocionalmente con el personaje. Le dije a Charlize cuando comenzamos el proceso de entrenamiento, cuando vi sus habilidades y su aptitud para las acrobacias y su voluntad para hacerlo, me sentí aliviado porque [eso significaba] que [podríamos] tener este valor de producción diez veces mayor. Tenemos una actriz ganadora de un Premio de la Academia, y voy a colgar la acción en la película sobre sus hombros y la gente se volverá loca y ella dijo: Vamos a hacerlo. Si tuvieras a alguien que no tuviera la voluntad o la aptitud o las habilidades de actuación, esto no se podría haber hecho.
Hay muchos giros, particularmente hacia el final. ¿Tuviste alguna duda sobre lanzar una película en el verano que haga que el público piense un poco y evalúe lo que ha visto, que no es solo una película de palomitas de maíz?
La película que terminamos haciendo, que era mi intención original, se suponía que debía ser un poco elevada y que te hiciera pensar y que fuera una mezcla del género de acción y el espía negro, y creo que lo logramos. Pero, sí, ¿cómo encuentras una audiencia y dónde vive esa audiencia? Estoy agradecido de que el equipo de marketing de Focus y Universal haya encontrado una manera de hacer llegar esto al público, y esta parece una gran fecha para ello. Es dificil. Vender arte es muy diferente a hacerlo. Tienes que confiar en las personas que son realmente buenas en su trabajo, y tenemos un gran equipo en Universal y Focus que han encontrado un lugar para aterrizar, así que no tengo miedo. Pero hacer frente a estos grandes eventos de verano también es otra cosa en la que esta película tiene mucha acción, pero la hicimos al precio independiente. Así que es una especie de catch-22. Es una película de acción de personas pensantes. Lo lanzamos en un momento en que la gente está acostumbrada a ver películas de gran espectáculo y su tipo intermedio.
Con el giro final, y no quiero revelar demasiado, ¿querías que los espectadores se sorprendieran y no pusieran demasiadas pistas al principio de la película?
Sí, creo que es una línea muy fina. Desea llegar a una audiencia amplia y hay personas a las que les encantan las tarifas de espionaje y rastrearán cada pequeño detalle y minucia. Y si regresas y miras la película, verás las pistas para el giro al final. Y habrá otras personas que tal vez nunca los sigan, incluso si lo vieron dos veces y les encantó el viaje y les encantó su personaje y estaban dispuestos a participar solo por las piezas del set. Al hacer algo que va a llegar a una audiencia más amplia, tuvimos que ajustarnos a la línea, cuánto quieres darles y cuánto quieres revelar. Desafío a la gente a verlo dos veces porque comenzarás a decir: ¡Oh, debería haberlo visto!
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¿Cómo decidiste qué canciones de los 80 usar? Y específicamente, hay algunos que se usan en puntos cruciales, como Voices Carry. ¿Cómo te decidiste por esa canción?
Cuando leí el guión, inmediatamente decidí escribir canciones que me hablaran. Y después del desafío de cómo hacer esta mezcla de cultura pop de una manera más comercial/divertida, el primer instinto fue que quería confiar en la música de los 80 y transportarnos. La música te transporta emocional y psicológicamente de inmediato. Así que armé mi lista de reproducción y la tocaba una y otra vez y la tocábamos en el set en la camioneta de exploración, y comencé a colocar lentamente esas canciones específicas en la lista mientras exploramos, en el guión real. Voices Carry surgió muy temprano en términos de letras irónicas de todos escuchándose unos a otros, y eso me gustó. Putting Out Fire también apareció muy pronto en términos de esa naturaleza grandilocuente y alguien que no tiene miedo de echar gasolina en lo que ya es un incendio. Fue solo ese proceso lento, pero fue temprano. En el momento en que comenzamos a filmar, todas esas canciones se estaban reproduciendo durante las secuencias mientras las filmábamos para que supiéramos nuestras ediciones en términos de Der Kommissar, tal vez hay cinco tomas por las que pasa esa canción. Y eso fue algo planeado y al estilo de un video musical.
Esta es una película con un tema de la Guerra Fría que se estrena cuando parece que hay elementos de la Guerra Fría que se han revivido. Cuando comenzaste a trabajar en este proyecto, ¿podrías haber anticipado que ese sería el caso cuando salió esta película?
No creo que pudiéramos haber anticipado tal vez parte de la relevancia cultural que esto tendría en términos de esta idea de que nadie dice la verdad o las noticias falsas o que estaríamos cuestionando a Rusia de esta manera nuevamente y al borde de otra Guerra Fría. No. Creo que es interesante que la relevancia de esto haya salido a la luz en el lanzamiento de esta película. Pero supongo que la historia tiene una forma de repetirse.
Este artículo fue publicado originalmente por The Hollywood Reporter.